Contemporary sculptor Roderick Owen grounds his artistic practice in the act of wresting a presence from steel.

Through years spent alone with steel, marked by obsession and confrontation, the sculptor learned to perceive a presence within it.

His sculptural work consists in revealing it and wresting it from the resistance of matter.

Gesture, forging, and listening are the essential conditions of this act of tearing free.

Within the steel forged by fire and the sculptor’s hands, this presence acquires a tangible reality.

By wresting it from the resistance of steel, the sculptor frees the presence from its own flesh.

The work remains in steel, as the act of wresting the presence free does not mean the disappearance of the material, but the release of the presence from its confinement.

Steel remains the material of the work, but ceases to be the flesh that once confined the presence, which now exists through the form it takes.

It then takes the form of a stiletto.

For the artist, the stiletto deserves to exist beyond its condition as a mere fashion accessory.

Its architecture, tension, balance, and elevation transcend its original function.

For him, the stiletto offers a territory for creation capable of constant reinvention, where forms, balances, and movements can continually evolve while preserving the same elegance.

From one work to the next, this architecture remains, while its movement, tension, and audacity are continually renewed.

The presence does not come to inhabit the stiletto; it takes its form.

This dual liberation lies at the heart of the sculptor’s practice: the presence is wrested from its own flesh, steel, while the stiletto, in turn, breaks free from human flesh, the body, and any wearer.

Wrested from matter, each work thus asserts itself as a presence in its own right.

The sculptor’s practice is grounded neither in fashion nor in femininity.

The stiletto exists beyond its function as an object, as the autonomous form taken by the presence wrested from steel.

The black of these presences retains the trace of the shadow from which they emerged.

Animated by glints, the black never remains static: it catches the light, asserts their silhouettes, and keeps their presence in motion.

Wrested from matter and freed from all flesh, only presence remains.

Sculpteur contemporain, Roderick Owen fonde sa démarche artistique sur l’arrachement d’une présence à l’acier.

Au fil des années passées seul face à l’acier, entre obsession et confrontation, le sculpteur a appris à y percevoir une présence.

Son travail sculptural consiste à la révéler et à l’arracher à la résistance de la matière.

Le geste, la forge et l’écoute sont les conditions réelles de cet arrachement.

Dans l’acier forgé par le feu et les mains du sculpteur, cette présence acquiert une réalité tangible.

En l’arrachant à la résistance de l’acier, le sculpteur libère la présence de sa propre chair.

L’œuvre demeure en acier, car l’arrachement ne consiste pas à faire disparaître la matière, mais à libérer la présence de l’enfermement qu’elle lui imposait.

L’acier reste la matière de l’œuvre, mais cesse d’être cette chair qui enfermait la présence, qui existe désormais par la forme qu’elle prend.

Celle-ci prend alors la forme d’un escarpin.

Pour l’artiste, l’escarpin mérite d’exister au-delà de sa condition de simple accessoire de mode.

Il possède une architecture, une tension, un équilibre et une élévation qui dépassent sa fonction première.

Pour lui, l’escarpin offre un territoire de création capable de se réinventer, où les formes, les équilibres et les mouvements peuvent se renouveler tout en préservant une même élégance.

D’une œuvre à l’autre, cette architecture demeure, tandis que son mouvement, sa tension et son audace se renouvellent.

La présence ne vient pas habiter l’escarpin, elle en prend la forme.

C’est dans cette double libération que réside la démarche du sculpteur : la présence est arrachée à sa propre chair, l’acier, tandis que l’escarpin s’affranchit à son tour de la chair humaine, du corps et de tout porteur.

Arrachée à la matière, chaque œuvre s’affirme ainsi comme une présence à part entière.

La démarche du sculpteur ne se construit ni autour de la mode ni autour de la féminité.

L’escarpin y existe au-delà de sa fonction d’objet, comme la forme autonome prise par la présence arrachée à l’acier.

Le noir de ces présences conserve la trace de l’ombre dont elles sont issues.

Animé d’éclats, ce noir ne reste jamais figé : il capte la lumière, affirme leur silhouette et maintient leur présence en mouvement.

Arrachée à la matière et libérée de toute chair, seule demeure la présence.